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viernes, 13 de febrero de 2026

Kenny G - Theme From Dying Young

 

“En el mundo Disney los protagonistas se suelen enamorar en jardines con pájaros, flores y violines de fondo. Lo divertido de la realidad es que los flechazos suelen llegar en momentos inesperados, lugares insólitos y con personas insospechados. Es más, en la película Dying Young fundamenta el florecer de una historia de amor en mitad de una tragedia gracias a asuntos tan mundanos como son la convivencia diaria, el apoyo incondicional, conexión emocional, priorizar la felicidad del amado sobre la propia y de disfrutar de la ternura y la ilusión de proyectos en común. Quizá por todo eso me parece que su BSO inspira hasta los corazoncito que están congelados”

María Carricas

 

Kenny G nace como Kenneth Bruce Gorelick en Seattle (Estados Unidos) en 1956. Creció en una familia de clase media y durante su infancia mostró un temprano interés por la música, aunque no fue hasta la adolescencia cuando el sonido del saxofón despertó en él una verdadera vocación. Entre sus influencias musicales destacan el jazz suave y el soul, así como la escucha atenta de grandes saxofonistas que sonaban en la radio estadounidense de los años setenta. Primero formó parte de varias bandas de jazz y debuta en 1981 con Kenny G al que siguen varios discos hasta que en 1986 lo “peta” con Duotones con temas como Songbird y Don't Make Me Wait for Love que tendrán una gran recorrido en radios y la MTV con ventas de cinco millones de discos. Dos años después Silhouette vende diez millones de discos, Breathless en 1992 llega a los quince con el tema Forever In Love, y eso sin contar recopilaciones y grabaciones en vivo, lo que le hacen uno de los músicos más demandados del planeta y que participe en BSO como en el caso de esta romántica composición para Dying Young o para la de El Guardaespaldas. Sus siguientes trabajos son discos de Navidad como Miracles: The Holiday Album (1994) y Faith (1999) que vuelven a arrasar. Desde entonces sigue interpretando una amplia gama de instrumentos de viento con un éxito considerable sin importarle las críticas de no ser demasiado buen intérprete y de ser facilón con el público, a lo que supongo que responderá que le quiten lo bailado tras vender más 75 millones de discos sin contar las ventas en China donde es una deidad.

 



Enlace vídeo Theme FromDying Young

 

La música arranca con un fondo de piano sobre el que nada el saxo soprano del artista con fuerza y emoción mientras cuenta con el apoyo del bajo, la sección de cuerda y la percusión.

 

Página oficial

© Kenny G y Arista.

martes, 16 de septiembre de 2025

Scott Joplin - The Entertainer (A Rag Time Two Step) El Golpe

 

La muerte de Robert Redford es la muestra de cómo un tipo de cine, una forma de entender el arte ha desaparecido. No voy a poner la lista de sus películas en las que se implicó desde muy pronto en tareas de producción, o de sus premios como actor y director, ni su posicionamiento político por las libertades cuando eso no suponía una cancelación mediático sino directamente física, para eso están los obituarios. Yo de lo que quiero hablar es de la emoción de verle en El Golpe con esta canción de fondo burlando al mal, la vulnerabilidad que mostraba frente a Barbra Streisand (a la que ya hemos tenido en estas entradas) en Tal Como Éramos, su valor como alcaide encarcelado en Brubaker, o su angustia en Los Tres Días Del Condor, por decir las primeras que se me vienen a la cabeza. Todos diremos que él vivirá en sus películas, y así es, pero también que hoy el mundo es menos bello.

 

Scott Joplin nació en Texarka (EE.UU.) en 1868, hijo de un ex esclavo, para que veamos la situaciónen la que se encontraba. La familia tenía una gran vertiente musical ya que su madre cantaba y tocaba el banjo, y su padre tocaba el violín, por lo que desde niño comenzó a aprender piano gracias Julius Weiss, un inmigrante alemán, que le enseñó técnica pianística y le introdujo a la música europea. Abandona Texas y recorre EE.UU. como músico itinerante hasta que en 1899 publica Maple Leaf Rag, que se convierte en un éxito y define el género del ragtime. Tres años después graba esta The Entertainer (A Rag Time Two Step) que será un clásico. Desgraciadamente se embarca en varios proyectos operísticos que le arruinan y ante el fracaso de los mismos, que unidos a un deterioro mental debido a la sífilis terciaria, le lleva a ingresar en un hospital psiquiátrico muriendo en 1917 en Nueva York.

 



Enlace vídeo TheEntertainer

 

La música arranca con unas notas leves de piano que juegan como el gato y el ratón subiendo y bajando de fuerza hasta que entra la sección de viento a todo trapo con el clarinete comandándola con la percusión al quite. Así se crea una obra maestra de la música instrumental.

© Scott Joplin, Marvin Hamlisch y MCA.

viernes, 16 de mayo de 2025

Santana – Europa (Earth's Cry Heaven's Smile)

 

“Sigo en la línea de la música instrumental que, aunque carezca de solista, puede contarnos muchas cosas. Eso sí, creo que esa cualidad se consigue poniendo el listón musical muy alto. Por ejemplo, la canción de hoy me parece que trata de una persona desesperada que se desahoga con otra que intenta trasmitirle paz. Y a vosotros, ¿qué os cuenta esta canción?”

María Carricas

 

Carlos Santana era un chaval de 19 años que tenía a todos embobados por su maestría con la guitarra y que en 1966 en California una banda llamada Santana (a la que hemos tenido en estas entradas) donde hará fusión del rock psicodélico que estaba de moda con los ritmos latinos que él había mamado en su Jalisco natal. Al principio no son reconocidos, pero se aprovechan de que muchas bandas suspenden su participación en el Festival de Woodstock para asistir y se convierten en unas de las revelaciones del evento. Ese mismo 1969 publican su primer LP, Santana, que tendrá gran éxito y que abre las puertas a su segundo trabajo, Abraxas, un año más tarde que será número uno en ventas con versiones míticas de Black Magic Woman y Oye Cómo Va. En 1971 lanzan Santana III que será de nuevo un bombazo. Un año más tarde buena parte de los miembros abandonan la banda ante el cambio más hacia el jazz rock que el líder quiere marcar en Caravanseri, que seguirá contando con el favor de la crítica pero no el del gran público, abriéndose así una época de experimentación con temazos como esta Europa (Earth's Cry Heaven's Smile), pero con poco recorrido comercial en EE.UU. que continuará en los ochenta y provoca su parada en 1986. Pero en 1998 son incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll y deciden volver a la carta con el disco Supernatural que se convierte en un éxito inmediato al contar con la colaboración de grandes artistas como Maná (a los que hemos tenido en estas entradas), Rob Thomas de Matchbox Twenty (a los que hemos tenido en estas entradas), o Eric Clapton (al que hemos tenido en estas entradas) y con temazos que fueron número uno como Smooth o María, María, y otros como Corazón Espinado Primavera. Tres años más tarde se repite la fórmula con Shaman que atrae a artistas del nivel de Seal (al que hemos tenido en estas entradas) o Nickelback, repite Michelle Branch (a la que hemos tenido en estas entradas) y que tendrá temazos como The Game Of Love. En 2005 All That I Am fracasa en ventas y aprovechan para darse un respiro y volver nueve años después con Corazón en homenaje a canciones en español. En 2016 reúne a buena parte de la formación original en el concierto en vivo Santana IV. Tres años después ve la luz su último LP de estudio, Africa Speaks, que es una nueva visita a los sonidos africanos.

 



Enlace vídeo Europa (Earth's Cry Heaven's Smile)

 

La música arranca con unas míticas notas agudas de guitarra de Carlos Santana que con el apoyo de los teclados la percusión y bajo crean un tema espectacular de una elegancia, calma y espectacularidad tremendas, que va cogiendo cadencia y aceleración hasta un final climático total con el guitarrista haciendo lo que le da la gana con el instrumento.

 

Página oficial

© Carlos Santana, Tom Coster y Columbia.

viernes, 9 de mayo de 2025

Johann Pachelbel - Canon En Re Mayor

 

“Es cierto que la creatividad de dar con una canción que resulte atractiva tiene su complejidad. Por eso hay un cierto desdén a aquellas canciones que son una versión de la original precisamente por pecar de poco originales. En algunos casos como éste, los cambios que realizo Jean-François Paillard en el Canon En Re Mayor de Johann Pachelbel dieron lugar a una canción mucho más bonita y pegadiza (sin ser machacona), que se ha convertido una de las más famosas e inspiración de mucha música actual.”

María Carricas

 

Johann Pachelbel nació en Núremberg (Alemania) y fue bautizado el 1 de septiembre de 1653. Desde joven, mostró un talento excepcional para la música, estudiando con Heinrich Schwemmer y posiblemente con Georg Caspar Wecker, ambos destacados músicos de la tradición de Núremberg. Su formación incluyó estudios en la Universidad de Altdorf y, al no poder pagar la matricula, los concluye como becado en el Gymnasium Poeticum de Ratisbona, donde profundizó en la música italiana contemporánea. Ocupó diversos cargos como organista en ciudades como Viena, Eisenach, Erfurt, Stuttgart y Gotha. En Erfurt, fortaleció su relación con la familia Bach, enseñando a Johann Christoph Bach, hermano mayor de Johann Sebastian Bach (al que hemos tenido en estas entradas). Compuso aproximadamente 530 obras atribuidas, incluyendo música sacra, piezas para órgano y música de cámara, destacando esta Canon En Re Mayor (1680) junto a Musikalische Sterbensgedancken (1683), Musikalische Ergötzung (1691), Hexachordum Apollinis (1699), Chacona En Fa Menor, Toccata En Mi Menor Para Órgano. Finalmente, regresó a su ciudad natal en 1695 para ocupar el puesto de organista en la iglesia de San Sebaldo, donde permaneció hasta su fallecimiento en 1706.

 



Enlace vídeo Canon En ReMayor

 

Y para explicar la belleza del órgano, de los violines y el resto de la sección de cuerda, es mucho mejor escuchar a alguien que lo hace fenomenal y de forma amena como Jaime Altozano

 

Enlace vídeo Canon En Re Mayor explicado

© Johann Pachelbel

 

viernes, 30 de agosto de 2024

Safri Duo - Played-A-Live (The Bongo Song)

 

“Unos cuantos llevamos varias semanas trabajando relajadamente mientras que otros están rascando los últimos días de la vida relajada. Eso sí, prácticamente todos el próximo lunes retomaremos la vida laboral normal, recordando usuarios y contraseñas, retomando proyectos postergados y, en definitiva, aterrizando en la vida real. Para ello necesitaremos un extra de energía y recordar que todavía no ha acabado el verano y por ello os ofrecemos la canción de hoy.”

María Carricas

 

Safri Duo es un dúo danés de percusión electrónica formado Uffe Savery y Morten Friis en Copenhague (Dinamarca) en 1990. Ambos se conocieron en su juventud en la Real Academia Danesa de Música, donde se especializaron en percusión clásica al mismo tiempo que se interesaban por la música electrónica. Empiezan grabando piezas clásicas donde muestran su maestría con la percusión pero llegando a un público muy escaso, por eso en el 20010 deciden lanzar el LP Episode II donde esta Played-A-Live (The Bongo Song) se convierte en todo un hit en Europa. Un año después mantendrán su presencia en listas con Safri Duo 3.0, que también tuvo éxito, aunque no alcanzó el nivel de impacto de su predecesor. No han dejado de hacer sesiones y han vendido más de 2 millones de discos a lo largo de su carrera.

 



Enlace vídeo Played-A-Live

 

La música es una explosión de percusión que con los teclados crean uno de los himnos de la música trance.

 

© Morten Friis, Uffe Savery, Michael Parsberg y Universal.

viernes, 3 de septiembre de 2021

The Alan Parsons Project - Sirius (Chicago Bulls Theme Song)

 

“Muchos han vuelto esta semana a la vida laboral y, para los que llevamos más tiempo en marcha, se nos ha acabado eso de trabajar a medio gas. Se habla de depresión post vacacional aunque yo creo que cuando te gusta tu vida en general y tu trabajo en particular, lo que realmente cuesta es cogerle el ritmo y volver a otras rutinas distintas del chiringuito y los chapuzones en el mar. En esos momentos de desperezarmiento me encanta escuchar Sirius, ya que empieza suave, evoluciona hacia lo épico y finalmente reduce su ritmo lo suficiente para preceder a un clasicazo del rock”

María Carricas

 

Alan Parsons y Eric Woolfson eran dos reputados ingenieros y músicos de estudio que deciden realizar discos conceptuales para la industria cinematográfica. Así en 1976 crean The Alan Parsons Project en Londres (Reino Unido) y editan su primer álbum, Tales of Mystery and Imagination, convirtiéndose en un éxito comercial. Siguen unos años donde la discográfica les fuerza a sacar disco por año I Robot (1977), Pyramid (1978) y Eve (1979), por lo que les presentan The Sicilian Defense con la intención de terminar el contrato y Arista ni lo publica. Renegocian el contrato y lanzan un año más tarde The Turn of a Friendly Card donde siguen apostando por el rock progresivo instrumental con algunas canciones cantadas. Su momento culmen lo logran en 1982 con Eye In The Sky donde hallamos la celebérrima Eye In The Sky y esta Sirius que se convertirá en el himno no oficial de los Chicago Bulls. Un año después Ammonia Avenue seguirá la senda del éxito con la famosa Don't Answer Me. Desgraciadamente sus siguientes discos fallarán en listas y los dos miembros irán derivando su interés a otros proyectos. Se estima que han vendido 50 millones de discos

 


Enlace vídeo Sirius (cover)

 

La música arranca con unas notas graves de teclados que dan paso a otras agudas de guitarra, que con el bajo y la percusión crean una atmósfera intrigante y llena de ritmo.

 



 Enlace vídeo Sirius (original)

 

Página oficial

© Alan Parsons, Eric Woolfson y Arista.

viernes, 15 de enero de 2021

Johann Strauss (padre) - Marcha Radetzky

 

“Tengo el gran honor de celebrar que tal día como hoy hace 5 años, los viernes del Corazón de Canción  fueron bautizados como CarricasDay. De inicio lo hice por petición de Guille y por querer aportar mi granito de arena a un blog que me encantaba. Tengo la suerte ser adoptada como la niña consentida de Guille por lo que, sea cual sea la canción que proponga o la entrada que le mandé, a él siempre le parece bien. Y, al elegir de guía a la intuición más que a la sesera, me siento cual pajarito libre para soltar cada viernes verdaderas tonterías, barrabasadas o cursilerías según se tercie, y eso me divierte muchísimo. Es más, tengo la certeza de que a la gran mayoría posiblemente no les guste ni mi música ni mi forma de pensar, pero les vendrá bien para ampliar sus horizontes al comprobar que no todos somos iguales. También habrá gente extraña que le guste mi música o piense como yo y se encontrará comprendido en la inmensidad del mundo global. Pero lo que  posiblemente nos una a todos los que leemos este blog es que tenemos la certeza de que la música nos humaniza al salir del armario nuestro lado más intelectual y emocional. Y ahora toca escoger la canción. Una canción que me recuerde al despertar resacoso después de un año 2020 lleno de curvas. Una canción épica para recibir el año de la esperanza aunque nos advierta desde el principio que las carreras no tienen emoción sin obstáculos. Una canción que nos invite a participar con palmas como hacemos todos los seguidores del blog. Y a poder ser, de la mano de un director que frente a una sala vacía en Viena, nos recordaba que "La música es importante no sólo como entretenimiento, sino que la música es una misión, y por eso hacemos este trabajo. Lo hacemos para hacer de la sociedad algo mejor. La salud es importante, pero también la salud de la mente, así que mi mensaje a los mandatarios y políticos que consideren la cultura como uno de los elementos primordiales para lograr una sociedad mejor”. Así que lo tengo claro, la canción para días importantes como hoy tiene que ser Marcha Radetzky de Johann Strauss (padre) dirigida por Riccardo Muti”.

María Carricas

 

Johann Strauss (padre) nace en Viena (Austria) en 1804. Sus padres mueren antes de que cumpliera los doce años y su madrastra se desprende de él haciéndole aprendiz de encuadernador, pero él aprenderá a tocar violín y viola, comenzando a tocar valses por las tabernas desde los diecinueve años. En 1825 funda su propia orquesta con la que realiza giras por distintos países europeos divulgando la nueva música austriaca con éxitos como Loreley-Rhine-Klänge y tendrá una dilatada relación de amor/odio con su maestro y competidor Joseph Lanner. Curiosamente no quiso que sus descendientes tuvieran como oficio la música pero de entre los seis hijos legítimos y otros tantos ilegítimos encontramos a genios como Johann Strauss (hijo), Josef Strauss y Eduard Strauss. Músico de la corte imperial, en 1846 se creó, especialmente para él, el título de director musical de baile de la corte austro-húngara donde estrena esta sensacional Marcha Radetzky en 1849. Desgraciadamente, ese mismo año. y con tan sólo 45 años, fallece en su mejor momento creativo.

 


Enlace vídeo Marcha Radetzky

 

La música, como marcha que es, arranca con el redoble de tambor al que se le une después toda la orquesta a todo trapo siendo acompañada por las palmas de la concurrencia.

 

© Johann Strauss (padre)

martes, 31 de diciembre de 2013

Mark Knopfler - Once Upon A Time...Storybook Love (instrumental)

Hoy vamos a tener una muestra del amor de verdad, de ese que tanto nos hablan las canciones pero que sólo unos pocos conocen a lo largo de su vida. Nuestra Malu, la romántica sabia que nos regala bondad y verdad a manos llenas, cumple hoy 25 años con quien la robó el corazón en sus años de mocedad, y en esta entrada nos habla de sus sentimientos con la música de fondo de la BSO de La Princesa Prometida, esa película que nos enseñó que los besos no sobran en ninguna historia.



SIEMPRE JUNTOS

25 años desde nuestro primer beso, cuando miro tu corazón, veo más que otro corazón, veo más que otra mitad, más que amor. Veo todo lo que quiero y con todo me quedo. De tu cara, tu gesto. De tus ojos, tu mirada. De tus labios, tus besos. De tu mente, tu fuerza, De tu cuerpo, tus ganas. Y de las miradas y de los gestos y de tus besos ¡qué no doy yo!, si yo me muero por esos besos. Orgullo que no cesa, luchador y ganador, porque lo sé, porque lo eres, siempre vencedor. Serio, recto, más que correcto, mucho más que Modesto. Sólo abatido por amor, sólo perdido en la pasión. Lo eres todo para mí, más que un amigo, más que mi amante, más que un compañero, más que mi fiel e incansable viajero, combustible de mi vida, apoyo de mis quejas, pañuelo de mis lágrimas y cura para mis heridas. Sustento para mi hambre y regazo para mi vejez. Siempre juntos. Más de mil veces dicho, mil veces más lo diría, siempre contigo, siempre, noche y día. SIEMPRE JUNTOS






© Mark Knopfler y A&M